En cuanto a la obra para el próximo año, parece que tenemos dificultades en ver como será el final. En realidad, yo siempre me he encontrado en esta situación. Dejo a mi imaginación fluir y desenvolverse tanto que luego no tengo ni idea de como hacerla acabar.

Anteriormente nos habíamos enfocado en la estructura de la obra sin tener muy en cuenta de que trataba esta. Finalmente, pudimos ver una manera de acabarla.

Por el momento se me hace difícil ver tanto personaje de magia mezclado, como si todo se volviera una obra de tercer grado.  En mi opinión las hadas, duendes y esos personajes le quitan la ilusión e importancia que podría causar el fantasma en escenario.
Sin embargo, es la obra de ellos y ellos deciden que personajes poner y cuales no.

Además del echo de que son varios niños queriendo actuar y de que se les suele dar un personaje que muchos hacen para que no tengas dificultades de interpretarlo... ¿porque se utilizan varios personajes en una obra profesional?

Esta última semana, mis compañeros estuvieron preparando la obra para el próximo año. Yo por mi parte, ayude con pequeñas ideas. Tengo el gran presentimiento que la obra será muy entretenida y espero con ansias volver el próximo año y verla.

Por ahora nos hemos enfocado en de que se va a tratar la obra y como lo haremos. Por ahora, mis compañeros parecen muy enfocados en lo que van a realizar. Esteban y Kenzo se encargan de escribir la obra y por otro lado Nicolas y Matías del diseño de esta.

Para poder realizar esta obra tuvimos que concentrarnos en el estimulo. Por ahora teníamos seleccionado como estimulo la máscara, las marionetas y la vida de Elizabeth II.

Yo no soy parte de ninguna zona, solo estoy para ayudar pero creo que sería una buena idea de que los personajes que esconden algo como otra personalidad, sean los que usen la máscara.
¿Porque? Porque asi mostraría que ellos actuan ser alguien más y no el verdadero ser que esta debajo de aquella máscara.

Hebras

"El sabor de la separación es un sabor lleno de amargura" apesar de que no es el tipo de separación referida... la frase intenta dar la idea de que no es fácil separarse. Esto se muestra en la obra "Hebras" en donde un ser o bien podría ser unos hermanos unidos por el torso, son separados y se dan cuenta que no pueden vivir sin el otro, que dependen mucho del otro.

Este miércoles que paso vimos una obra llamada "Hebras"  en el auditorio de nuestro colegio presentado por el grupo de teatro cuerdos.

A diferencia de mis compañeros del curso, esta fue mi primera vez viéndola. Por lo cual me pareció al principio un dolor de cabeza. No entendía que sucedía. Era todo un laberinto pasando por mi cabeza. Esto creo que fue debido al echo que me concentré más en lo asombroso que lucían los movimientos a ver el significado tras de ellos. Me lleve por la música y el lado físico de la obra.
No es que no haya entendido nada en respecto a ella, sin embargo debido a que entendía ciertas cosas... perdía el rumbo a donde iba toda la actuación.

"Hebras" se enfoco en destacar el cuerpo y sus movimientos en vez de las expresiones faciales. Se enfoco en desarrollar los mensajes que podía transmitir el cuerpo. ¿Como? El grupo de teatro tomo como decisión el uso de una mascara plana y neutra para enfocar la atención en el cuerpo y no el rostro. Los movimientos eran increíbles, uno iba tras otro y cada uno parecía tener un mensaje. Pero el acompañamiento de la fuerte respirada dentro de la mascara me pareció fabuloso. No era necesario ver su expresión facial para saber a que se refería con sus fuertes respiradas. Por eso es que no se necesita de muchos artefactos para poder transmitir un mensaje.

El echo de trabajar y esforzarse en tener una coreografía y coordinación para cada movimiento difícil fue algo realmente sorprendente para mi persona. Utilizaron un juego de ritmos.
Había ese ritmo en el cual todo iba dinámico, un movimiento tras otro no solo haciendo que la atención del espectador fuera el máximo si no también para aumentar la tensión.
Por otro lado, en mi opinión creí que las partes lentas eran para que reflexionemos todo lo que acabábamos de apreciar sin perder el rumbo de la presentación.

Sin embargo, yo no hubiera entendido lo poco que entendí si no hubiera sido debido a las preguntas después de la presentación. Estas me ayudaron a por ejemplo entender que los "personajes" que vimos presentando su actuación no debían ser llamados personajes si no figuras.

Lo que me mantuvo curiosa fue... porque decidieron usar figuras en vez de personajes. Es verdad, ellos buscaban hacer que la gente piense en diferentes tipos de relaciones las cuales son separadas y luego atraídas por la gravedad de ellas pero.. ¿no se podía hacer esto simplemente por representar personajes con los cuales todos se sentían identificados?
¿Para que profundizar más en los movimientos del cuerpo a las expresiones faciales?

La cura en Troya

"Si la gente quiere ver sólo las cosas que pueden entender, no tendrían que ir al teatro: tendrían que ir al baño", esta frase de Bertolt Brecht da el echo que el teatro no es algo simple. El teatro es mucho más que eso, el teatro puede ser que sirva para incentivar el pensamiento en el público. Puede que sirva para hacer que el público se mantenga interesado en algún tema especifico. Si le entregas al público todo en modo de bandeja y nos los dejas pensar e investigar por su cuenta.. se torna aburrido.

El día de hoy me fui a ver una obra llamada "La cura en Troya" en el Centro Cultural de la Universidad Católica.
Cuando recién ingresé al teatro me dio con la sorpresa que era algo que no esperaba.

La habitación estaba llena de humo haciendo que en si el escenario no fuera muy visible. A pesar de que al principio era algo que me parecía diferente, no entendía su propósito.
Poco a poco te das cuenta que ese humo representaba la neblina y la neblina a aquella neblina que hay en las mañanas cerca al mar.
En esta entrada me centraré en analizar los aspectos físicos de la obra más que en razonables.

"La cura en Troya" en mi opinión estuvo interesante. ¿Porque? Bueno, el echo de que había bastante coordinación en los movimientos y de que no te lo presentaban todo ahí. Debías de imaginarte las cosas y también pensar las razones por las cuales sucedía lo que sucedía.

La coordinación era muy marcada en el caso del coro que era conformado por las tres mujeres. Tanto así que en ocasiones parecían más aparatos que se movían en forma ro-botica a un grupo de personajes parecidos. Además de la coordinación de movimientos pausados entre ellas y en otras ocasiones acelerados; utilizaron el eco para dar la impresión de algo lejano a lo normal.
Cuando decidían realizar las frases rápidas, las hacían como si una voz fuera el eco de la otra y aunque que repetían lo que la otra decía,aplastaban las palabras de la otra. Esto causaba que mi atención se incrementara en alguna de ellas para no perder el hilo de lo que decían, por eso creo que su intención era captarnos nuevamente y alterarnos haciendo que nos concentremos y estemos pendientes a cada cosa que decían.
Cada frase que decían tenía un movimiento, eso era parecido a la creación de Split en la mayoría de las escenas donde el contexto no es lo principal si no la manera en la cuál todo esta dicho. Esto también le entregaba un mayor dinamismo. Sin embargo, el problema fue con Odiseo. El actor de Odiseo no cambiaba sus movimientos con las manos, siempre eran los mismos y bajaba la intensidad a todo aquello que sus demás compañeros habían logrado llegar. No era solo el punto que no cambiaba sus movimientos si no también que se notaba que no sabía que hacer con sus manos.

Odiseo no solo fallo en movimientos, si no también a la hora de hablar. Su voz era baja y no se le entendía muy bien algunas cosas que decía. Puede que haya sido cuestión del bigote o no lo sé. Pero si fuera aquel el caso, el problema sería la falta de preparación.
¿Porque? Porque mis compañeros para el One act play utilizaron bigotes y  apesar de que tuvieron dificultades, pudieron ver la manera de que se les entendiera.
Su manera de pararse y caminar tampoco era la gran cosa, parecía una persona común transportándose a algún lado. Como dije anteriormente, bajo la intensidad que habían creado ya los demás actores.

Apesar de ello me gusto la obra. No tanto por el contexto si no por la manera en la cuál habían planteado todo. Había dinamismo y a la vez tensión. Me gustaba el contraste que se encontraba en situaciones entre la escena de Neoptolemo y Filoctetes,con la del coro.

En general, la actuación de Neoptolemo y Filoctetes era buena.
Tenían energía en sus movimientos y reacciones, sus expresiones faciales eran buenas, podía creerme el dolor que sentía Filoctetes al ser traicionado por Neoptolemo.
A pesar de que Filoctetes tenía buenas reacciones y parecía concentrarse en su personaje... olvidaba algo muy importante. El echo de que sentía dolor en su pierna.
Al principio parecía estar consciente de ello pero poco a poco la obra fue desarrollándose haciendo que se olvidase de eso y se concentro en otros aspectos. Eso le bajo la credibilidad a la situación.

Lo que más me gusto en la obra fue que nos hacían utilizar nuestra imaginación para dar forma a las cosas que estaban hablando de. Un ejemplo fueron las flechas, al hacerlas invisibles le daban un toque de misterio.. y hacia jugar a tu imaginación.
Sin embargo, a pesar de que casi todo contenía imaginación siento que la malograron cuando pusieron en el proyector la imagen del volcán y otras cosas más. Es verdad, el lugar tenía poca forma a isla pero igual daba la sensación de estar atrapado.
Las grandes paredes para dar la impresión de un cueva, daban la impresión que Filoctetes estaba atrapado. Y claramente él había sido abandonado y permanecido atrapado en esa isla por un montón de tiempo.
El punto no es hacer que todo lusca igual, es una aproximación. Más aún porque cuando lo tienes todo ahí puesto.. ¿que hay que pensar? ¿que hay que analizar?

Nunca entendí el concepto de la vestimenta cuando Odiseo estuvo involucrado en ello.
Había tenido la idea de que Filoctetes y Neptolemo eran la representación de hombres luchadores y colores tierra. Las mujeres daban la sensación de pertencer a diferentes elementos y sentimientos. Sin embargo, Odiseo... no entendí como lo relacionaban con lo demás.

¿Es necesario que todos los personajes tengan un concepto que los relacionen o puede que sea simplemente selección y decisión del director?

"La Fiesta de Cumpleaños"

Hace dos lunes atrás, fuimos al larcomar  a ver la obra "La fiesta de cumpleaños".
Cuando estábamos sentados frente al escenario, me puse a observarlo. Me gusto bastante la manera en la que fue decorado y las luces como daban la sensación de que afuera había sol cuando en realidad estábamos de noche. Sin embargo, lo malo de esto fue que en todo momento el escenario se quedo decorado así y muchas veces no utilizaron todo de el.  Pudieron haberse dirigido más al centro del escenario o más aún en la parte delantera done había un mueble que estuvo ahí solo para decorar ya que cuando lo usaron fue para algo muy superficial, pararse y vendarle los ojos al protagonista.

Un error esencial cometido por los actores fue la voz. El tono de las voces era muy bajo, debías esforzarte para escucharlos y sobre todo entender que decían. Estoy seguro que si hubiéramos sido ellos, Roberto nos hubiera dado un buen grito. No era solo el echo de que utilizaban una voz baja para actuar si no también que tenían mala pronunciación. Por lo tanto, no se les entendía que decían. Esta pelea de nosotros con la obra para poder escuchar que decían lo volvió aburrido. Como una vez dijo Roberto, "La audiencia no debe esforzarse por entender que dicen, ustedes tienen que esforzarse para que ellos los entiendan".

Las conversaciones entre ellos tenían muchas pausas. Creo que lo que en realidad trataban de mostrar era el echo de que reflexionáramos o llenáramos ideas en esas pausas. O como diría Roberto, ver cuales son los subtextos.
Sin embargo, estas continuas pausas en los diálogos hacía que te quedaras dormido y que la obra tomara un ritmo lento. No habían mensajes en los silencios. Eran silencios que no te mostraban nada. Como si fueran maquinas siguiendo las ordenes del director y no actuar.

Por otro lado, creo que la obra no funciono no solo por los actores si no también por el director.
El director esta ahí para dirigirlos que hacer y como. Sobre todo, entender bien la obra para luego mandar a sus actores a re-alisarla. No es el echo de leer una obra porque te gusta, si no tienes que entender cual era el mensaje del autor y ser capaz de representarlo con la ayuda de la dirección.

A pesar de todo me sorprendió que de cierta manera hubiera llegado a entretener a la audiencia  en cuanto yo estaba entre sueños viéndola. Puede que sea que todo sea cuestión de perspectiva ya que había gente riendo y disfrutándolo mientras otros morían porque acabe.

Entonces, ¿es necesario esforzarse en cumplir con todas las recomendaciones para una buena obra? Porque de todas maneras la gente parece disfrutarlo. Sea una obra buena o mala, esta pregunta vuelve a mi en cuanto vi las obras del one act play. No eran muy buenas pero a pesar de ello la gente parecía divertirse. Esto mismo sucedió en esta obra.

Esta semana que paso tomamos las cosas más en serio. Dimos nuestras propuestas y escuchamos lo que los demás tenían que decir de las nuestras.

Siento que mi enfoque en cuanto al vestuario fue más en los colores que en la textura pero aveces se me hace un poco difícil encontrar un vestuario indicado para el estilo del personaje.
En clase nos enfocamos en seleccionar la máscara que iría mejor con cada personaje.
Finalmente acordamos en esto:
- Charles no usaría ninguna máscara para marcar que nunca perteneció a ninguna sociedad
- El juez una máscara de majeño para del angulo inferior verse más grande y poderoso.
- La mamá de Charles y Rosemary usarían una mascara a la mitad. Cada uno del color de su sociedad. La mamá de gris y Rosemary de amarillo.
- El acusado llevará una mascara de chukchu
- Los que forman parte del jurado de waqollo
- Y finalmente a los de la última escena una mascara blanca y simple.

Apesar de haber avanzado regular, aún no se me hace claro como deban ir vestidos.
Por el momento, debido a mi corto tiempo.. de vez ne cuando me doy un tiempo para averiguar de las texturas.  ¿Es necesario  enfocarse en las texturas?¿Que sucede si das otro mensaje con las texturas?

Aun pienso seguir mi idea de los colores. Sin embargo, el color del primer ambiente será de color gris o metal para demostrar fieldad, rigidez , por otro lado tenemos el amarillo que es un color que inspira felicidad.

Esta semana que paso, comenzamos con nuestra obra de fin de año inspirada en el festival de la virgen del Carmen. La idea que decidimos desarrollar fue la de Kenzo, su idea llevaba el titulo de "Dystopia". Dystopia significa, "sociedad no ideal".

Aún me es un poco confuso la razón por la cuál el protagonista se esmera en abandonar su antigua sociedad e ir en busca de la nueva cuando ya vivía en una perfecta. En parte cuando al principio me contaron de que se trataba, me estresó la situación y el personaje... sin embargo, luego me di cuenta que era un tema muy interesante por desarrollar.

Cada uno fue asignado a un tema, mi tema fue la vestimenta. Aún estoy trabajando en eso, antes tenía la idea de hacerlo todo de manera uniforme sin ningún detalle pero me di cuenta que así solo decía que los personajes eran muy simples y fáciles de leer. La situación en esta obra es diferente. Los personajes que forman parte son unos personajes con ideales y que pelean por ellos, se complican y en muchas ocasiones son confusos. Por ello llegué a la conclusión que debían llevar una especie de vestimenta que transmitiera más ese sentimiento. Aún ando buscando cuál sería el indicado.

Mi primera idea había sido, separar a las sociedades por colores. Me dejo explicar.
Cuando Charles se encontraba siendo expulsado de su sociedad inicial... todos ellos llevarían un color verde para representar que esa sociedad le enfermaba a Charles. Charles por otro lado, llevaría un color rojo, el cual en nuestra sociedad suele representar: pasión, poder, rebelión,etc.
Cada sociedad tenía un color que representaba sus ideales por eso cuando Charles llegaba a la segunda sociedad se llevaba bien con todos aquellos que llevaban su mismo color de atuendo.
Talvez utilise esta idea de los colores, sin embargo, quiero trabajar las texturas y formas.

¿Podría la obra causar problemas en la manera de pensar del receptor? Sobre todo,¿podremos causar el sentimiento y visión que el creador (Kenzo) quería tener? Pues sobre todo, él nos dio el contexto de la obra pero no nos dio a entender que quería transmitir con ello. Si el creador no esta seguro... entonces ¿pueden los demás transmitir una idea o avanzar sin ello?

Esta semana que a pasado nos hemos enfocado más que nada en actuar para diferentes años de nuestra escuela. Tuvimos como invitados a los chicos de primero de secundaria y segundo de secundaria.Con el grupo de primaria pudimos ver que tenían un buen tiempo riendo. Tal vez porque reían más con las acciones bobas que hacíamos a que lo que en realidad decíamos. Por otra parte, cuando presentamos para segundo de secundaria se rieron contadas unas tres veces.
A pesar de que esto no fue muy agradable para nosotros como "actores", nos ayudo a diferenciar para que tipo de público iba dirigido y poder volver a nuestra principal idea:
Nuestra público seleccionado eran maestros,alumnos y padres de familia.
 Logramos nuestro objetivo pues fue el público que más se rió con nuestra obra. Esta semana que viene mostraremos nuestro acto a sexto grado, espero que todo salga bien. Otra conclusión que se puede llegar es a que hay diferentes estilos de obras para diferentes clases o grupos de personas.

Actuando esta última vez, pasamos por varios errores como el echo de que la silla se cayera o que hubieran grades silencios entre nosotros. Espero por eso que no se vuelva a repetir y tengamos un publico agradable.

El Power point en el cuál estamos trabajando en clase; tiene como objetivo profundizar más nuestras ideas principales. Este trabajo me ayudo a pensar en cosas que no había pensado como el echo de actuar literalmente mirando a la audiencia en los ojos o gritándoles a ellos. Era una manera totalmente distinta imaginar a la persona que tenía delante mio y luego en la actuación verdadera ver a alguien más. Actuar es imaginar. No solo imaginar que estas en los zapatos del personaje si no también creerte el ambiente en donde estas.
Es imaginar que eres alguien más en un lugar imaginado. Entonces, si es que una persona es corta de imaginación y lo hace de manera mecánica... ¿hay manera que se note la diferencia en el público? Fisicamente puede verse igual.

Esta semana uno de nuestros compañeros fue capaz de aprender a utilizar su parte aguda de la voz. Con mucha presión logró hacer una gran mejora.
En mi caso, para mi personaje, pronuncié mas la "r" dándole en mi opinión... una imagen más antipática y falsa. Esto me agrado ademas que fue muy entretenido probar otra manera de pronunciar las cosas.
Mi pregunta viene acá; ¿si es que le pongo más entonación a una letra del abecedario da un diferente personaje? Es decir, si yo decido pronunciar mas la "m" ¿me dará un personaje con otras características?
Durante los ensayos, uno de nuestros compañeros tuvo problemas en alcanzar el sonido agudo.
Estuvimos un buen tiempo intentando que le saliera y finalmente dio resultado. Con la voz aguda implementada en un personaje de voz gruesa... creo un contraste. Aún por lo que vi con más por trabajar pero en mi opinión un buen comienzo. Este contraste de sonido y voz podría hace que la obra rompa su estilo mono tamo y crea entretenimiento a la audiencia que esta presenciando un ritmo mono tomo.
Muchos de nosotros comenzamos con una idea de forma de ser para nuestro personaje.  Creo que para ese entonces no habría considerado los tonos de voz que tengo ahora o simplemente la manera que tendría que pronunciar palabras. Lo que me da temor es no poder pronunciar bien alguna palabra. No tengo dominio con el inglés y temo bloquearme en medio de escena por intentar pronunciar bien las cosas. Es por eso que durante los ensayos solía tener aveces pausas para pronunciar ciertas cosas. Sin embargo, esto de hacer una obra en inglés me ayudo bastante con algunas cosas en inglés que nunca me habían corregido.
El echo de que mi personaje se enfoque más en pronunciar la letra "r" e ir hablando como si estuviera cantando fingidamente... me ayuda a distraerme de lo demás y tratar de llevar ese ritmo. Es difícil para el cambio tan cercano a la presentación pero pienso dar lo mejor de mi.
¿Si hubiera que seleccionar la parte más importante de una obra sería... el comienzo (donde captas la atención de la audiencia), el desarrollo ( donde se desarrolla más el concepto) o el final (donde cierras todo con un gran final)? ¿Porqué?

28/08/2011

Hemos continuado trabajando nuestra obra. Queda muy poco tiempo y hemos avanzado poco.
Los problemas que tenemos durante los ensayos continúan siendo los mismos.
Aveces siento que no lo lograré.

Todas las veces anteriores a las cuales me e encontrado en la posición de representar algún personaje, durante alguna obra u escena... me e guiado más por mi instinto de como creía de que el personaje reaccionaría o esas cosas. Esta vez también, sin embargo, debido a todas las indicaciones nuevas que recibo para esta obra tengo la mente pensando en tantas cosas que hay veces que suelo perderme y perder papeles. Es algo incomodo a lo que normalmente suelo estar acostumbrada pero me repito que es una manera de aprender. Que poco a poco me parecerá menos extraño.

Trabajamos algunas cosas nuevas como calentar y entrar en el ambiente antes de comenzar a ensayar. Lo vi un poco incensario para mi personaje que la mayor parte del tiempo se la pasaba en un lugar y no caminaba mucho pero me sirvió para levantar más el volumen de mi voz, lo cuál es un problema en los ensayos porque voy como una montaña rusa... bajando y subiendo.
Nuestros personajes tienen una serie de contrastes entre ellos con las personalidades haciendo que la obra no se mantenga en un tono aburrido. Sin embargo, ¿estar en el mismo lugar no aburre?Es verdad que la audiencia tiene la intriga de que los personajes pasen al otro lado para ver que sucede o simplemente ver el doble de aquel pero... cuando ven a los personajes siempre en su sitio crea una sensación de comodidad la cual se inclina a desinterés y luego aburrimiento.
Valentina nos recomendó realizar más acciones porque para ella todo parecía tener un tono mono tomo. Las acciones distraerán en situaciones lo que los demás actores se encontrarán diciendo, pero en la opinión de la mayoría creo que pensamos que lo más importantes son las acciones para demostrar que el escenario se encuentra dividido en la mitad.

Puede que no tenga sentido pero.. ¿puede haber una obra sin ningún protagonista? Por lo menos, aún con lo que se a desenvuelto la obra no encuentro ningún protagonista. Pensé tal vez podría ser Mr. Heisenberg pero después dudé.
Con esto me vino a la cabeza la idea de si podia ver alguna obra sin ningún protagonista o por lo contrario... uno en el cuál todos sean protagonistas de ella. Pues, con la obra de Miyuki se podía encontrar dos clases de protagonistas... los demonios y el señor feudal.
Por eso quería saber si es que puede ver una obra con ninguno o con todos siendo protagonistas

21/08/2011

   Cada vez tenemos menos tiempo, felizmente las cosas están mejorando. Durante estas semanas que han pasado hemos podido aprender varias cosas como marcar movimientos cada vez que el personaje habla. Normalmente me había movido sin una coreografía... todo había sido instinto.
Cuando recién nos dijeron que debíamos bailar con el compás de la música en nuestro personaje (acciones) , me pareció un enredo. Todo porque mi personaje debe mostrarse como un robot. Se me vino la idea de bailar como un robot .. moverme todo el rato depende de como avanzaba la música. Poco a poco me di cuenta que era tener una coreografía que váyase con la escena y no parar de moverse. Era seguir el ritmo de la escena.

Sin embargo, esta vez me resultó más difícil el armar los movimientos de la escena porque tenía que estar pendiente a cuando me tocara, que movimientos debía estar haciendo, recordar mi linea y con lo que más luche... que me salga bien la pronunciación y las entonaciones.
Hay veces en las cuales tienes que adaptarte a tus compañeros por las dificultades que tienen en ciertas cosas, eso me paso a mí. No es que tuve que cambiar mucho porque en realidad no tenía una imagen muy fija pero tuve que hacer algo mucho más difícil en mi opinión.
Yo tengo dificultades con el inglés, ¿Que pasa con los que no saben hablarlo bien?
Mi personaje es alguien estricta y "perfecta".  Si yo, siendo una persona que tengo dificultades con la pronunciación me pongo a hacer mi contrario es algo que me causa mucho temor. Tener estos problemas de alguna manera dificulta el echo de que me enfoque más en mi personaje y hacerme enfocar más mi atención a como lo digo. Porque... ¿de que me sirve estar diciendo cualquier cosa de una manera mala .. si nadie me va a entender?


Como hace meses Pilar, una invitada que vino a enseñarnos a usar nuestra voz, nos dijo que la voz era parte de nuestro cuerpo como un brazo o alguna otra parte. Como mi personaje anterior tenía solo una linea, no tuve mucho el experimento de darme cuenta de esto. Sin embargo, lo sentí cuando trabaje con Miss Perfection.  Al cambiar la voz y mantener el mismo tono le cambiaba en sí el significado a lo que le decía.  Podía estar simplemente cambiando de voz aguda a voz normal y ya tomaba otra personalidad. No era siempre necesario cambiar el tono aunque eso le ayudaba un montón al cambio.
La voz no solo afectaba la personalidad de mi personaje también afectaba las acciones de mi personaje pues seguían ahora otro ritmo o como diría en el principio... otra coreografía.

Entonces mi pregunta es... ¿Que importa más? ¿La voz o las acciones?
Puede que una combinación de ambas sea lo adecuado pero si se fuera a escoger entre ambas ¿no sería mejor las acciones? Después de todo.. en mi punto de vista como audiencia.. estoy más interesada en ver que acciones realiza el actor para no aburrirme pero... si todo lleva un tono que no va bien con el personaje bien... llega a ser aburrido.. y más aún cuando este no cause ningún efecto en los movimientos.

Paucartambo videos

Durante las vacaciones de Julio; Kenzo y yo no pudimos asistir a un viaje con destino a Paucartambo para ver el festival de La Mama cha del Carmen.

Por esta razón se nos fue entregado unos vídeos con las partes del festival para poder darnos una mejor idea de como era todo y hacer poder estudiar mejor este tipo de festival . Al principio me extraño bastante lo que ocurría en ellos. En realidad resulte quedar confundida con todo. Pero... mientras veía cada grabación me preguntaba... ¿ Sería diferente si es que lo veo de diferente perspectiva a la cámara? ¿Tendría una diferente manera de pensar acerca de todo lo que sucedía?  Tal vez pudiese que mirándolo de otra perspectiva entendería más que sucedía o en sí llegar a a admirar más lo ocurrido.

Bueno, en cuanto a los vídeos. La celebración parecía ser un lugar acogedor y familiar. No solo habían personas diviertiendose y tomando si no también otros que iban para pasar un buen rato en familia. Sin embargo, en el baile en cuanto los saqras llevan la carreta en fuego, me pareció bien peligroso. Es verdad, era para mi lo más impresionante en el festival, pero se veía inseguro.
¿Habría ocurrido algún accidente y habrían cancelado el festival? Porque como varios saben, si no es seguro para las personas lo suelen sacar para proteger a los pobladores o turistas.
Me preguntaba como hacían todo aquello desde hace tanto tiempo con tan pocos medios de seguridad y si se había adaptado o cambiado para hacerlo aún más asombroso.
Tal vez la cargada en las carretas de fuego era para representar el infierno y remarcar el echo de que los saqras eran los demonios que llevaban todo al otro mundo.
Esta fue una de las cosas que más me impresionó en cuanto vi los vídeos. Me gustaría saber como hacían para que no toda la carreta se quemara y sobre todo, como los que eran transportados no ardían en llamas.

Con este festival se puede apreciar la mezcla de culturas , lo cuál probablemente quisieron representar al poner ambas culturas en un pelea en vez de ya la última cultura mezclada.
La historia cultural se encuentra atravez de los bailes, trajes y en si las mascaras que las comparsas llevaban. Lo que me sorprende también, es la manera en la cuál pensaron todo este festival para mantener su cultura y más aún lograr pasarlo aunque no fuera muy practicada.

¿Cambiaría algo el echo de que los participantes en armar el festival supieran o no supieran el verdadero sentido de porque lo están celebrando? ¿Cambiaría en algo los objetivos?

Creating a play (07/08)

I´m back.  This last weekend of holiday; we join up to organize our ideas for our one act play. It´s not been easy for me. Specially when i had nothing on mind and i had to think in what to put.
Writing a play isn´t so easy as i thought it would be, even more when it must be written between everyone. Everyone has different ideas and want them to be the one at the final script.

There were more problems that we faced rather than the clash of ideas. We usually got stick in a problem and didn't went further than that. We used to repeat ideas and things started going boring.
My production task was Props. I really don´t know what i´m supposed to search for.  Props seems to be a hard task. When i was doing make up at the school play; i had to research by my side and Kenzo, who was doing costumes, literally adapted to what i´ve done. I helped him but it really seemed as if the one adapting to the other was him.
In this case, i got the chance to work once more with him.  This time it seems like if i had to adapt to him. I´ve been searching about what could look good with scenery but it´s been a weird job. Specially when i had an idea and seemed that Kenzo had another one with some things.
When i first started creating my character i had a different idea from now. I saw her like a crazy one. Now it seems to be a perfect woman role try.
Still im having fun with it. What i don't like is that i must talk more than the other times. I totally dislike that.
This experience could help me to practice my English so.. im looking up to it.

What if an actor seems not to like the way the play develops for its character and decides to change the way it is going while they are performing and the other actors don't understand what is the other even doing? With all this i mean.. what if they must improvise but they dont understand what their companion is doing? 

11/07/11

I cant get it! Im just about to die.
Last entry i posted about our year play. I focused more in the acting rather than the production task which was the most stress-ant thing i ever known.

This entry would be focused in production task. Production tasks helps you to organize your things, be responsible and work as a team. Even though this year it didn't showed to much team work, we focused more in finishing our tasks and being the bests. Still, I did help Kenzo with some colors and design of costume.
At this production task work, we had  to create the atmosphere and superficial part of the scenario with the most minimal things.My production task was about make up. First i thought it was really easier because of my  already finished drawings of makeup but the hard part was coming. The buying.. that reminds me i gotta ask Mr. Mitchell to pay me because of its treat of turning back my money.
Make up turned to be really awesome. The one i liked the most was the kumadori because it made the facial features to enhance more which was the japanese´s point.
I learnt the colors meaning, the lines meaning and that´s it. Like kabuki is a superficial play, the most important thing is to obtain a perfect look. And also to showoff the characters.

My character of the spider was quite a weird one. No background to hold off. Even though, i had moreless an idea it was really hard to start to making it.
I found that music really helps a lot with acting when i was practically on stage. I mean, ive already seen that by being part of the audience. But now it was different when it came to me to be part of that acting. I felt my body was able to follow more less a rhythm instead of just moving the steps. I felt it had more sense and even though it might sound weird, i felt as if the whole scene i was suppoused to dance. My brother keeps bothering me telling me that i was dancing the shakira moves!
But now i think a little bit more, for making this kind of spirit i did inspired myself in some characters as a lion focusing its pray. I just didn't though of that i actually sometimes, as when it was the exorcists entry , i though of a hungry animal looking its food and actually felt it.
But, i must admit it was really strange.

What i was asking my self was... music is suppoused to follow the characters or are the characters the ones who follow it? Because in most of the parts i though of myself following it but in others it was as it followed me

04/07/11

Right now i have a mountain of homework, that means im not sleeping today.
Even though im not sleeping because of homework i feel really happy cause i don't have to worry anymore for production tasks!
The play has finally come to an end and yes we had fun but, its too stressing for myself to have a lot of responsibility on top.
There were a lot of people coming  and congratulating me for the makeup and sometimes if they were able to recognize me ... for my acting.

"Miyuki y los tres demonios" was my first play, im not counting my primary plays because i wasn't even noticed where i was standing. It was a great experience.
Kabuki ended being for our drama club a way of living. I think we are never gonna forget this experience. Even more because it ended being a totally different idea of a type of theater i had. Yes, I know they are different types of acting for each type of theater but i never expected the rules to be that different.
This being my first big play taught me that emotions aren't always needed to create a good play and interest in a character. Kabuki, in difference of other plays im used to know about, requires not to get into the feeling or emotions your character might have. It is more an superficial way of acting.
I really didn't had much problems with this aspect because my character seemed to try an give an special impact over the audience rather than affect the audience feeling with its own feelings.  If you get and analyze the feeling of it from the audience point of view you would find revenge, anger, satisfaction in some points and other things. But, when i was acting i didn't had in mind any of these ideas. I've just  found this after watching my scene in a recording camera.
I had a lot of fun in creating my character. I mean, it already existed but i adapted to myself.
When they presented me the character i was in shock. I didn't knew how that thing would get to   talk or even walk. I asked a lot of times for a guide to build my character but they practically showed me the character with a music background showing spiderwebs.
So my idea was: Im a strange creature which throws spider web and is really ugly.
With some strange ideas on my monster addictions i found a way to make my character be scary and  intriguing by moving all my body in a weird way without breaking kabuki rules. This meant i didn't focused my movement in one part of my body, i didn't left the way the feet were supposed to be if i was a woman spider and i tried to maintain a similar voice all character had but in a more spooky way.
After all i had a lot of fun and learnt a lot of things in this process.

Once more, in this play we saw typical things about a specific culture. Making us to never forget that each theater has a culture behind it. In this case we had the Japanese culture where they showed that the honor was one of the most important things and that woman didn't had a word in their decisions ( maybe in our play the cooker breaks a little bit this concept).

So i ask, what if directors adapt to much an existing style to the way they are used to direct? Would it still be named as it was before or would it had a new name? What must a way of theater contain to be a good way of theater and be know around the world? Because, it´s obvious they might be a lot of ways of acting but... how do you know which is the best and how is it going good?

DANCE PERFORMANCE

."The dance is a poem of which each movement is a word.  ~Mata Hari" Even though for Mata Hari each movement meant something...  i quite didn't understood the dancing performance.

Wednesday night, we went to Miraflores to watch a Israel dancing performance.
It seemed to be a new experience and God it was! It was nothing like i expected to see.
I was expecting some people almost moving themselves and a story to follow but,
things turned different. It was separated in two performances.

The first one consisted in two guys and a woman. I didn't like it at all.
I mean, their movements and coordination between them was really incredible.  But it didn't had much sense. Maybe like im not used to this type of performances it wasn´t that good for me. I didn´t like  for example that the movements were done without music in the background.
Perhaps, the music was removed in order to appreciate the actor´s movements. However, it seemed more like a bad coordination. I got to this conclusion because there was no music till one X part of the dance when there was no change in the force of the movement or anything else. In my opinion, music gets audience more entertained because background music, even though it wasn't coordinated, it made me get more interested to appreciate what was going to happen next and follow the actions without sleeping.
I didn't understood anything but it seemed as the two guys were fighting for the girl and got fun while doing that. There was no talking but strange sounds were present. They didn't changed so much in sounds and consisted in a contrast between each of them.

The movements repeated themselves and for me it seemed more as they were trying to show off rather to transmit a feeling.

Both performances had the same defects but i liked more the second one. This was because music was incorporated since the start of it but, it didn't went at all with the movement rhythm. They were two different things.
Lights showed first tension making the audience wanting to see more but afterwards lights lost their meaning and were there only decorating because in my case it didn't change my feelings. It was just a light bothering me to see the performance.
The dancing had the same style but in this case it seemed to be something happening.
What i told the guys it meant for me was that both guys were gay and one wanted to make the other one to accept it by provoking him. Finally, it wasn't at all with what i was thinking.
One wanted to be like the other one cause he seemed him as a hero.

Maybe for me it didn't had any meaning and that´s why it seemed so weird. But, maybe that´s  what israel ´s society is expecting to see. So, each type of performance is maybe directed to some type of audience and that´s why it seemed so weird for me. In some times it was very awkward to be sitting there while they were doing some  shameful movements.

I want to know which was their purpose of this performance. Was it to show off or to mean something? And if they wanted to show off why didn't they used the adequateness lights?
How can this type of performance be popular being so uncoordinated?
Was it really coordinated to be like this?

But in first place, which was their purpose by being so plain and at the same part not understandable? 

19/06

This week we focused in analyzing the play.  In my opinion, it was very difficult to have a vision of the play and i think harder to analyse it.
When we were discussing about the parts of the play we touch the topic of the protagonist. I first thought it was the Feudal Lord because he was the one which spooked the most. Afterwards I figure out he wasn't the protagonist because of that. He was the protagonist because he was the one who made actions at the play and made the play depend on him.  When we spoke about protagonists I went back to my infancy and started to think on my favorite characters. There were some characters as Helsing which was a vampire who killed everyone and formed part of a vampire clan. But with this class i figured out that even though his name formed part of the anime series the one who was the protagonist was the master of the vampires because with his actions the story was developed.
Before this class ive always had fought that the protagonists were the ones who had the biggest impact on the audience and the ones who had good values.
But, with this class i figured that protagonists can also be the bad ones of the story and the antagonist isn't the one who has bad values... it was the one who opposed the protagonist desire.
I don't quite remember the play "Sin titulo" but our teacher told us that this play didnt have a protagonist... but how can that be able? Isnt a protagonist the main key to develop the play? Isnt his/her actions who guide the play to follow a certain rythm? It might be i have other kind of questions because i wasnt here but how can it be to a play to start if there isnt a motive or desire of one or many people?

12/06/11

Well, today blog might be very confusing because i don't know how to do an entry with metaphors,Synecdoches and metonymy.

But what i did understood about this literature figures was that a metaphor is when you replace the actual word by something to get a better idea of it. An example of this could be : "Time is a thief".
Time isn't a thief because first of all it doesn't even have a life.  It´s an expression to show that time seems to pass really quick and gives the impression someone is taking you away your time.
This makes me remember that we are running out of time for our play and if possible we could use this expression of "time is a thief" so we better hurry up and work good.

Another literature figure we were into last class was synecdoche. For example , we normally use a synecdoche when you constantly characterize a character  by the same characteristic every time. We find this at the play when the witches ask for the same feudal s blood and really meant for his son.
" Señor Feudal : Que es lo que quieres
Brujas : tu sangre heredera
Señor Feudal: Jamas e visto tal ofensa en esta corte
Brujas: tendremos que llevarnos a tu hijo"
Like i explain before the quote, they didn´t meant to want the hereditary blood they wanted the feudal only son.
Finally metonomy is very similar to a synecdoche. A metonomy is when a thing or concept is not called by its own name but by the name of something associated to it. We could find metonomy when the exorcists ask who brought the evil to the palace and the feudal lord says that he was when actually where their guards with the messenger.
If the feudal lord had gone personally to bring the witches to the palace then there wouldnt be any metonomy but because their guards and messenger went for them with the feudal orders then it is a metonomy.

With this examples and explanations you figure out that actually you need to use a lot of literature figures to create a play and know how to represent things that you aren't able to. But putting literature figures doesn't mean to make plays more difficult because then the audience wouldn't be able to understand what´s going on. So, it is always very interesting to have this figures but with the condition to making it simple.
In my opinion metaphor is the most use to get more images in your head while watching a play. So, is it necessary to always use literature figures to make a good play? can´t you just make a good one without having to complicate so much the director and audience mind?

sources:
http://es.wikipedia.org/wiki/Wikipedia:Portada

Moods a la craig

This week we presented to our class "Moods a la craig". Moods a la craig was about changing the mood of the space by only having to change lights,props, clothes or actor position.  I found it difficult because I had many ideas but for them i needed to change the position of the camera and that wasn't the point.

When i did my presentation i focused to describe the picture and what feeling it transmitted but indeed i didn't focused in what i really had to do. Analyse and reflex about the pictures.
After a class argument  i realized my pictures symbolized a fragment which provide the audience the curiosity to see what was going to the other side or even to be scared of it. After that i fought that this would be useful for the scene where the onis find about his brother being murdered and haven´t seen yet the onis head.

Moods can give different feelings to the audience, but i mean... not every single time an director wants to show one mood he is able to transfer it. That´s why he has to be very easy to form it, without loosing the great different effects he can use. Because it isn't the point to make it that simple and be so clear that audience might get bored.

If  you get more things at the change of mood you would get the audience attention but it might be you get them more confused. So, how do you make the audience mantain entertaining with the change without having to make it simple?

Pilar second visit

This Friday, Pilar visited us again to make us practice our voice.
But we didnt use it so much. She focused in making us to connect each part of our body with the way we breath so we wouldnt hurt our vocal cords at the time we were going to use it.

We started showing her our warming up and she recorded us. I didnt felt any secure with it because our teacher was most of the time telling what to do if we were doing it bad and we didnt use music to relax. In this case we had to do it alone. She told us not to use music because we had to create ourself rythm and hear what everyone else was doing. It was more difficult in my opinion, because i didnt knew how to follow my partners when parctically i couldnt hear anything.
I relaxed first and finished first the warming up, which put me very nervous because i didnt knew if i had done it well.

The class continued when Pilar make us change our sitting position so we wouldnt be like the public. She spoke and spoke and eventhough most of my partners tired themselfs and sit like they were at the start i wanted to follow what she told me.
Pilar showed us the movement that we made incounsciously with our body while breathing in a lot of  positions. We worked at this the most of the time so we could controll our body with our respiration.
She made us feel tired with exercises but didnt let us to breath as we were tired. She made us breath controlling our respiration. It was an interesting exercise because i never had though that actors got tired so much.

She also spoke us about or base position and told us we didnt have to stand like that. Pilar made us bend our knees and put our arms in a strange way so it would look relax but for us it wouldnt be like that.

I saw actors do some strange things with their body such as acrobatics and those things... it its necessary to have those abilities to be an actor?
If an actor is about to luck off breath will he or she breath normally to care himself or will he hurt him so he would be able to make a great presentation?  

Pilar Nuñez

This Friday we had an special guest named Pilar Nuñez. Pilar Nuñéz is a teacher of theatre as well as an actress.
She came with the objective to help us at our school play by developing our voice.
She made us make different excercises to not be ashamed of trying new things with our voice. Pilar told us that we always leave our voice as something not special but indeed it is a part of our body.

This first class i found it pretty akward but after i got intrested on what was she doing I find it quite fun and tried the best of me. I´m sure i wasnt able to do it well but at least i tried. We started the class with an breathing excercise which consisted in controlling the air we threw out of our body and to think how much we need to breath to be able to say what we want to do without running out of air. By this exercise which consisted in touching each part of our body while breathing i found that it was really difficult and weird to discover some parts of my body i didnt knew. We had to convine our body with our breathing.

After that we try doing other excercises which made us mork more our body with our facial expression and not to be relaxed in any point because that was the public work.
I discovered that for these exercises she made us try we needed a  lot of imagination to move in a special way with our breathing.

Might doing this exercise would have any difficulties in making difference of gender? Might it be the same  or it would be more difficult?

Kabuki Spider

Kabuki spiders named Tsuchigumo in the plays, actually are really weird characters that need a great amount of energy on them. My character for this play is Tsuchigumo wich first enters the scene as a witch and after that transforms into a spider.

By practising my scene I had to work in a lot of things such as Planning, directing, acting,etc.
Working with kids showed me that sometimes their creativity might be more extensive than an teenager. Thanks to this we had a lot of ideas and finally had to join them up.

For doing this scene i had to practice more actions than voice because it was a fight scene. Actions for my character had to be strong, direct and like cutted in the fight scene. My movements had to be rigid and with a lot of energy on them. This gave the sensation of tension and something weird was happening on me.
I didnt get to find my voice for the character but i did a lot of experiments with my pitches and vocals.
But indeed, what i found was only strange noises that didnt went with my character.
Kabuki style asks for the spider to have a high pitch but for my character i think it would be better a low pitch. But in my all drama practice ive always had a great difficulty in doing low pitches. So, indeed this is a challenge for me.

If i change he voice of the spider would it have an great change in the character? Because, i mean... the goal is to create an evil voice. But an evil voice might be created in a low pitch or a high pitch and in my opinion both might have scary effects. But for a kabuki play, might it have a difference on character?

Pedro Valdivia

Last week, we went to see a play named "Pedro de Valdivia" which had certain amount of comedy, musical and historical context.  The theatre presentation gives information about Valdivia´s life  when he came to America around the time when it was recently discovered and being conquered by Spain.

In this play, there were many characters and only three which were encharged of representing them.
The three main characters were Pedro Valdivia and two other guys. One of them only represented second rank commandants while the thhird guy used to represent natives or Incas. They changed of characters when music started playing and the actors started singing.  But the actors were always doing the same style of characters but different people.  Story happened in a very dynamic way. They not only did spoke dynamic, their actions and changes of scenes were very fast. One thing I really like was the way did never stopped doing actions. They were or doing faces, movements or walking. But they werent stand up only talking.
Actors had to form the play by not only actions, they had also to sing what was happening on and at the same time to concentrate and play different instruments. They had a good knowledge of them.  I think this made the play more entusiasmic.

The props used were instruments, soil, table and a puppet representing Pedro.
They showed good creativity (which is essential for plays) when they transform some soil into a map which contained, mountains, land and sea. It was very funny when they represented Pedro de Valdivia on a puppet because all the characters had to organize themself to provide sounds and movements the same as the pedro de valdivia actor. Most of the play needed a lot of coordination.

In my opinion, the accent wasnt very clear. For me they didnt spoke like chilean people. I´m not sure why. I think that was the only thing wrond i found.  But in conclusion I really enjoyed the play because of coordination and creativity. But, my question is... ¿How came they were able to find so many actions and why did they decided to use a lot of actions and do not concentrate in the context?

El Interruptor

Last Monday, we watched a play named "El Interruptor"  which I really enjoyed. Especially because the dynamic in dialogues and actions.

"El Interruptor", main point was to show the audience of how much we did depend on technology and how we didnt continue being ourselfs. My partener opinion was, " I think this play wants to show us how we depend on technology and how we dont want to think and only depend on it". I think in part his opinion is right but in my case I think it was generally to show us how we depended on technology.

The play presented huge dynamic, especially on the actions. The characters kept moving all the time which made you pay a lot of attention to dont miss any of them. Because maybe one of them might have been very important to understand the play. But, it didnt only focused in making characterd dynamic in actions it also made the characters dynamic in dialogues.

In this case lights were essential for the play. Lights made the actors react in a different way. When light came from us, the audencie. The actors acted like a differnt character... which lately we found they were the program which was trying to complace us.. the public by performing different characters.
They had a big study in different kinds of characters and fast changes between them.

But, light wasnt the only thing which served for the change of characters, they also used a strange sound which transformed the actors in other characters.

In my opinion this was a very complicated play to form but lately it was a good one.
Still i wonder, why did they use different characters to give us a message? I mean... they could have show it by only the character they were at first. All characters had a great energy... why did they focused in using this type of characters and not other? How difficult was the part when they didnt saw the other one but had to do the same actions? I mean... this are very complicated things.

Imagination

During the last class we started a new theme. As well as the other classes we started with a warm up put things began to change when they told us to unplugg our different parts of  our body in a specific order.
While I did this i noticed how my attention went directly to a specific part of my body. Even though i had problems of focusing my energy in other parts that werent my abdomen like i am suppoused to do for Kabuki classes... I was able to focus it in other parts. In my opinion this exercise was to get to know your body and to get inside your imagination and give yourself an idea of how could that be.
But the excercise didnt end there, the exercise finished when we plugged once more to be able to move again our parts of the body. If it wasnt for the unplogg excercise i wouldnt been able to recognize some other parts of my body I think it is also to examine new parts. Meanwhile the plugging helps your imagination to work and start moving as if each part of your body was turning into popcorn.

When we finished this exercise we started another one which consisted in closing our eyes and imagine we were on a building and we had to walk  very carefuly not to fall.
I proved that when we closed our eyes it was even easier than when we had to imagine that we had to do that when our eyes opened because it was harder to imagine that. But if you practically take a picture in your mind of what you had when you were with your eyes closed then it would be easie to do it with your eyes opened.
This helps you to get involved in acting and dont think as you in a theatre if not think of you as if you were in that situation.

10/04/2011

Good night everyone! Tonight i would give some conclusions i got from my acrobatics exercise.

Like all fridays we did our warm up, pass of energy and afterwards we started the exercise we choose.

As you can read, last week i started with acrobatics bt i didnt got to a concreate conclusion. It was more the work of doing it than anything.

This week when i did my acrobatics exercise i got to control some things over my body such as equilibrum and speeds. I changed them quickly and tried to mantain a line while doing my exercise so my body wouldnt be the one doing the actions it wanted .

I was the one controlling where they were supoussed to go.

Still i dont get the main reason of all this...

would it be something to create an dinamic actor? i dont get it... i only know that i developed control over some parts of my body such as legs.

I got inspired on a ballet dancer to do this exercise.

ACROBATICS

So, I´m kinda tired today. I still have the pain of my spider practice movements. It really hurts but its fun.
My teacher told us that we gotta practice more english. We gotta be really bad so he tells us that.
Look at that! Im already doing errors!
Well, focus to the main point of this entrance.
At Fridays practice we had to apply the things we saw at the actress video.
We started with a warming up which included doing breathing exercises(which now i find easier), Focusing the energy (which i consider the most difficult because it hurts and also because you have to only focus in that part of your body and dont think  anything else), segmentation and then passing the energy to your partner. I still have some problems with the passing of energy because sometimes i dont get the direction of it and do it the wrong way. Im still practicing on it.

After our normal warm up we started our selected topic from the actress video.
I chose acrobatics. I decide to choose this topic because i found it interesting and i´ve been a caos for it. That´s why it was a great challenge for me.
I didnt get to do it right. First of all because i got lost and didnt knew what other things i could do and also i didnt get to do standing in hands slowly. But i did get to do it with other actions.
I also learnt to mantain equilibrum but after that nothing else.
Im willing to get better in these things so i would in the future have more control over my body.
With this... i´ve get to think about that the actors have to have a good physic.
What do you think about that? Don´t you think that acting should be consider a sport? Because i really sweat in this class.

Geishas

Hello everyone, it´s me again. I have to inform everyone i didn't went to my practice class on Friday afternoon so i didn't get to learn a thing of how to control my body and thoughts.
Before that class on Friday, we watch a video of an actress which showed how she learnt to be an actress like she was.
She explained some ways like: acrobatics, segmentation ( moving one part of the body by its own), slow and fast motion, introverted and extroverted action and other kinds of things.
I selected acrobatics because it sounded interesting and was something i wasn't  acostumbrated to do. Even though i didn't had an idea of how to do it i selected it because it sounded like a challenger.
I didn't got to do it but in my opinion this exercise was to feel each part of your body how it moved and control your equilibrium.

After class activities a group of girls and me had to act like Geishas for an school play.
It is the most difficult thing ever! First of all the posture of an Geisha is pretty difficult; your knees have to touch each other while your feet look each other. Your level has to be medium and you butt has to be to the front.
Sounds pretty hard right? well... you have to walk like that! And.. beware of not to separate your knees while you move your shoulders while you walk.
You also learn how to seat and laugh... the most easy thing is laughing hahahah but i dont get it how to seat down.
You have to focus you energy under you belly.

I learnt a lot of things this weekend, and i feel happy about it. But, what do you think about geishas acting? it must have been very difficult to a man to act so girlish and on those positions

"Sin titulo" play

Today, we went to a play named "Sin titulo".
Yuyachkani theatre shows new ways of performing a play.

In this play we went, i saw things i´ve never seen in other plays such as; movement of characters along a room, reading some texts on the characters clothes, the scenery movement and other things. But this were the three ones that made me had  great surprise.

Up to now, im not quite sure how i´m supposed to write a blog but i´m doing my best effort.
Firstly, when you entered the room... it seemed as if you´ve entered a museum. Each panel showed you the story of what happened after the war with chile. The actors were stand up next to a panel in still picture.

The play began when the actors started talking while making eco in each part of the room... it was really creepy but it helped you to hear some words you couldn't hear just by the first time.
After that all the characters where put on top of a table that moved with help and were taken to the centre of the room. Each character was located in a table higher o lower that the other. They were at different levels but by little. All the characters were acting in mute and each one was pretty different.
Lights also did had his time. All the room was dark except the characters.
They played with the lights when they had a character speaking while the oder ones were just being transported from a place to another, also when they focused the flag. The lights were specially used in my opinion to make characters be the focus or to try and select another place of the room with another scene.
The characters were at the most of their time changing their clothes.
They used long dresses, short dresses, etc.
My favorite and most interesting costume was the long dress which had written some words on it and was focused with a flashlight. In my opinion it was very creative but at the same time a little bit difficult to read because of the little light and some small letters from it.

I didnt had any favorite character but i must admit they were really good at acting. I enjoyed the part when two characters put on a mask of judges and start moving funny and expressing everything with their bodys just like they did in commedia dell arte where they had to express everything by their body because they werent able to show their facial expressions.

Music was okay for me, sometimes in my opinion sound like it shouldnt be put for that scene. For example in the first part when ever character is running from one part to another because of the war.... i found it pretty boring. It didnt heard at all as a music for them to run off.
But the other ones where ok.

It wasnt to difficult as i thought it was going to be and i had fun in it.

Nicole.

Breathing and action excercise

In the first class of  the weekend we continued with the breathing exercise. This time it was hardness because we had to make sounds we didn't even knew existed. In my case i had to make the sounds of drops falling to a metal, i couldn't think about a sound with my vocal cords that could make it.
Trying and trying I make it but it was very hard to make a sentence with the sound.
Lastly i was en charged of making the sound of a mother lion and i couldn't make it with my vocal cords.
I kept trying but at the end i found it very hard.
I have to practice in this exercise, because in my opinion this helps me to create new voices for new characters.
Dont you think so?

On the next class we made an excercise work that consisted in balancing the space in different levels, actions or doing different sounds. The hardest excercise was the one i had to transport by the slowest level because it considered doing the most effort,
But, class didnt end there, we had to convine this actions with our friends and stop when someone start making his action. This helped us to coordinate ourselfs and take the idea that me are a team and we have to work together like we do in plays. Because, when you act you depend on the other persons.
And at the end we made the excercise of the chakra and we had to feel it and permit the energy to guide us and transmite us.
It was difficult because i didnt follow the direction of the energy recieved and it was a big problem.

What did this energy helped me to? I mean.. i understand what everything else helped me but this?
Im confused. 

Breathing and voice exercise

On friday we went to the school theatre and started our practice.
The practice consisted in doing different excercises with our breathe.
We make the excercise slow,fast, keeping the air inside our lungs, focusing the air inside us in a specific place and those kind of things. After that we started working with the sounds and volumes.

The most difficult part for me was to make the low sounds because it included making some kind of weird gestures on my face. The soft sounds were easier for me than the ones that i had to increase my voice because at first i was feeling nervous.
After the practice my stomach hurt a lot.

I think the voice is one of the most important facts to create a character. What do you think, wouldnt it be difficult to represent a strong and loud character if you dont know how to talk very loud and hard?

Nicole Campbell

Good Evening everyone! I´m not well in redacting on english but this year this is my work.
At this blog i would publish every thing i learn in class or even the things i cant yet do.

First of all, my name is Nicole. Im 16 years old.
I consider myself as a shy,romantic, stubborn and caring person.
My favorite animal is the fox and im in love with dogs!


I wish you enjoy this blog and i would put all my effort on it!