Hebras

"El sabor de la separación es un sabor lleno de amargura" apesar de que no es el tipo de separación referida... la frase intenta dar la idea de que no es fácil separarse. Esto se muestra en la obra "Hebras" en donde un ser o bien podría ser unos hermanos unidos por el torso, son separados y se dan cuenta que no pueden vivir sin el otro, que dependen mucho del otro.

Este miércoles que paso vimos una obra llamada "Hebras"  en el auditorio de nuestro colegio presentado por el grupo de teatro cuerdos.

A diferencia de mis compañeros del curso, esta fue mi primera vez viéndola. Por lo cual me pareció al principio un dolor de cabeza. No entendía que sucedía. Era todo un laberinto pasando por mi cabeza. Esto creo que fue debido al echo que me concentré más en lo asombroso que lucían los movimientos a ver el significado tras de ellos. Me lleve por la música y el lado físico de la obra.
No es que no haya entendido nada en respecto a ella, sin embargo debido a que entendía ciertas cosas... perdía el rumbo a donde iba toda la actuación.

"Hebras" se enfoco en destacar el cuerpo y sus movimientos en vez de las expresiones faciales. Se enfoco en desarrollar los mensajes que podía transmitir el cuerpo. ¿Como? El grupo de teatro tomo como decisión el uso de una mascara plana y neutra para enfocar la atención en el cuerpo y no el rostro. Los movimientos eran increíbles, uno iba tras otro y cada uno parecía tener un mensaje. Pero el acompañamiento de la fuerte respirada dentro de la mascara me pareció fabuloso. No era necesario ver su expresión facial para saber a que se refería con sus fuertes respiradas. Por eso es que no se necesita de muchos artefactos para poder transmitir un mensaje.

El echo de trabajar y esforzarse en tener una coreografía y coordinación para cada movimiento difícil fue algo realmente sorprendente para mi persona. Utilizaron un juego de ritmos.
Había ese ritmo en el cual todo iba dinámico, un movimiento tras otro no solo haciendo que la atención del espectador fuera el máximo si no también para aumentar la tensión.
Por otro lado, en mi opinión creí que las partes lentas eran para que reflexionemos todo lo que acabábamos de apreciar sin perder el rumbo de la presentación.

Sin embargo, yo no hubiera entendido lo poco que entendí si no hubiera sido debido a las preguntas después de la presentación. Estas me ayudaron a por ejemplo entender que los "personajes" que vimos presentando su actuación no debían ser llamados personajes si no figuras.

Lo que me mantuvo curiosa fue... porque decidieron usar figuras en vez de personajes. Es verdad, ellos buscaban hacer que la gente piense en diferentes tipos de relaciones las cuales son separadas y luego atraídas por la gravedad de ellas pero.. ¿no se podía hacer esto simplemente por representar personajes con los cuales todos se sentían identificados?
¿Para que profundizar más en los movimientos del cuerpo a las expresiones faciales?

La cura en Troya

"Si la gente quiere ver sólo las cosas que pueden entender, no tendrían que ir al teatro: tendrían que ir al baño", esta frase de Bertolt Brecht da el echo que el teatro no es algo simple. El teatro es mucho más que eso, el teatro puede ser que sirva para incentivar el pensamiento en el público. Puede que sirva para hacer que el público se mantenga interesado en algún tema especifico. Si le entregas al público todo en modo de bandeja y nos los dejas pensar e investigar por su cuenta.. se torna aburrido.

El día de hoy me fui a ver una obra llamada "La cura en Troya" en el Centro Cultural de la Universidad Católica.
Cuando recién ingresé al teatro me dio con la sorpresa que era algo que no esperaba.

La habitación estaba llena de humo haciendo que en si el escenario no fuera muy visible. A pesar de que al principio era algo que me parecía diferente, no entendía su propósito.
Poco a poco te das cuenta que ese humo representaba la neblina y la neblina a aquella neblina que hay en las mañanas cerca al mar.
En esta entrada me centraré en analizar los aspectos físicos de la obra más que en razonables.

"La cura en Troya" en mi opinión estuvo interesante. ¿Porque? Bueno, el echo de que había bastante coordinación en los movimientos y de que no te lo presentaban todo ahí. Debías de imaginarte las cosas y también pensar las razones por las cuales sucedía lo que sucedía.

La coordinación era muy marcada en el caso del coro que era conformado por las tres mujeres. Tanto así que en ocasiones parecían más aparatos que se movían en forma ro-botica a un grupo de personajes parecidos. Además de la coordinación de movimientos pausados entre ellas y en otras ocasiones acelerados; utilizaron el eco para dar la impresión de algo lejano a lo normal.
Cuando decidían realizar las frases rápidas, las hacían como si una voz fuera el eco de la otra y aunque que repetían lo que la otra decía,aplastaban las palabras de la otra. Esto causaba que mi atención se incrementara en alguna de ellas para no perder el hilo de lo que decían, por eso creo que su intención era captarnos nuevamente y alterarnos haciendo que nos concentremos y estemos pendientes a cada cosa que decían.
Cada frase que decían tenía un movimiento, eso era parecido a la creación de Split en la mayoría de las escenas donde el contexto no es lo principal si no la manera en la cuál todo esta dicho. Esto también le entregaba un mayor dinamismo. Sin embargo, el problema fue con Odiseo. El actor de Odiseo no cambiaba sus movimientos con las manos, siempre eran los mismos y bajaba la intensidad a todo aquello que sus demás compañeros habían logrado llegar. No era solo el punto que no cambiaba sus movimientos si no también que se notaba que no sabía que hacer con sus manos.

Odiseo no solo fallo en movimientos, si no también a la hora de hablar. Su voz era baja y no se le entendía muy bien algunas cosas que decía. Puede que haya sido cuestión del bigote o no lo sé. Pero si fuera aquel el caso, el problema sería la falta de preparación.
¿Porque? Porque mis compañeros para el One act play utilizaron bigotes y  apesar de que tuvieron dificultades, pudieron ver la manera de que se les entendiera.
Su manera de pararse y caminar tampoco era la gran cosa, parecía una persona común transportándose a algún lado. Como dije anteriormente, bajo la intensidad que habían creado ya los demás actores.

Apesar de ello me gusto la obra. No tanto por el contexto si no por la manera en la cuál habían planteado todo. Había dinamismo y a la vez tensión. Me gustaba el contraste que se encontraba en situaciones entre la escena de Neoptolemo y Filoctetes,con la del coro.

En general, la actuación de Neoptolemo y Filoctetes era buena.
Tenían energía en sus movimientos y reacciones, sus expresiones faciales eran buenas, podía creerme el dolor que sentía Filoctetes al ser traicionado por Neoptolemo.
A pesar de que Filoctetes tenía buenas reacciones y parecía concentrarse en su personaje... olvidaba algo muy importante. El echo de que sentía dolor en su pierna.
Al principio parecía estar consciente de ello pero poco a poco la obra fue desarrollándose haciendo que se olvidase de eso y se concentro en otros aspectos. Eso le bajo la credibilidad a la situación.

Lo que más me gusto en la obra fue que nos hacían utilizar nuestra imaginación para dar forma a las cosas que estaban hablando de. Un ejemplo fueron las flechas, al hacerlas invisibles le daban un toque de misterio.. y hacia jugar a tu imaginación.
Sin embargo, a pesar de que casi todo contenía imaginación siento que la malograron cuando pusieron en el proyector la imagen del volcán y otras cosas más. Es verdad, el lugar tenía poca forma a isla pero igual daba la sensación de estar atrapado.
Las grandes paredes para dar la impresión de un cueva, daban la impresión que Filoctetes estaba atrapado. Y claramente él había sido abandonado y permanecido atrapado en esa isla por un montón de tiempo.
El punto no es hacer que todo lusca igual, es una aproximación. Más aún porque cuando lo tienes todo ahí puesto.. ¿que hay que pensar? ¿que hay que analizar?

Nunca entendí el concepto de la vestimenta cuando Odiseo estuvo involucrado en ello.
Había tenido la idea de que Filoctetes y Neptolemo eran la representación de hombres luchadores y colores tierra. Las mujeres daban la sensación de pertencer a diferentes elementos y sentimientos. Sin embargo, Odiseo... no entendí como lo relacionaban con lo demás.

¿Es necesario que todos los personajes tengan un concepto que los relacionen o puede que sea simplemente selección y decisión del director?

"La Fiesta de Cumpleaños"

Hace dos lunes atrás, fuimos al larcomar  a ver la obra "La fiesta de cumpleaños".
Cuando estábamos sentados frente al escenario, me puse a observarlo. Me gusto bastante la manera en la que fue decorado y las luces como daban la sensación de que afuera había sol cuando en realidad estábamos de noche. Sin embargo, lo malo de esto fue que en todo momento el escenario se quedo decorado así y muchas veces no utilizaron todo de el.  Pudieron haberse dirigido más al centro del escenario o más aún en la parte delantera done había un mueble que estuvo ahí solo para decorar ya que cuando lo usaron fue para algo muy superficial, pararse y vendarle los ojos al protagonista.

Un error esencial cometido por los actores fue la voz. El tono de las voces era muy bajo, debías esforzarte para escucharlos y sobre todo entender que decían. Estoy seguro que si hubiéramos sido ellos, Roberto nos hubiera dado un buen grito. No era solo el echo de que utilizaban una voz baja para actuar si no también que tenían mala pronunciación. Por lo tanto, no se les entendía que decían. Esta pelea de nosotros con la obra para poder escuchar que decían lo volvió aburrido. Como una vez dijo Roberto, "La audiencia no debe esforzarse por entender que dicen, ustedes tienen que esforzarse para que ellos los entiendan".

Las conversaciones entre ellos tenían muchas pausas. Creo que lo que en realidad trataban de mostrar era el echo de que reflexionáramos o llenáramos ideas en esas pausas. O como diría Roberto, ver cuales son los subtextos.
Sin embargo, estas continuas pausas en los diálogos hacía que te quedaras dormido y que la obra tomara un ritmo lento. No habían mensajes en los silencios. Eran silencios que no te mostraban nada. Como si fueran maquinas siguiendo las ordenes del director y no actuar.

Por otro lado, creo que la obra no funciono no solo por los actores si no también por el director.
El director esta ahí para dirigirlos que hacer y como. Sobre todo, entender bien la obra para luego mandar a sus actores a re-alisarla. No es el echo de leer una obra porque te gusta, si no tienes que entender cual era el mensaje del autor y ser capaz de representarlo con la ayuda de la dirección.

A pesar de todo me sorprendió que de cierta manera hubiera llegado a entretener a la audiencia  en cuanto yo estaba entre sueños viéndola. Puede que sea que todo sea cuestión de perspectiva ya que había gente riendo y disfrutándolo mientras otros morían porque acabe.

Entonces, ¿es necesario esforzarse en cumplir con todas las recomendaciones para una buena obra? Porque de todas maneras la gente parece disfrutarlo. Sea una obra buena o mala, esta pregunta vuelve a mi en cuanto vi las obras del one act play. No eran muy buenas pero a pesar de ello la gente parecía divertirse. Esto mismo sucedió en esta obra.